【怎麼選擇最佳視野?】
看演唱會我們總希望可以買到「良好視野」的位子,然而我們的大腦在面對訊息時,也會自然而然的選擇所謂的「良好視角」?!依據的是什麼呢?
莫蘭迪的「#良好視野」
喬治.莫蘭迪是堅持自己態度的畫家。他雖然與蒙德里安、傑克森.帕洛克、安迪沃荷等現代畫家生活在相同的時代,卻在故鄉的義大利波隆那,專心致志地畫著桌子與擺在桌上的瓶瓶罐罐,有時連構圖都沒有改變,總是使用混和了白色的柔和色調。
......他畫了一幅將容器緊密地一字排開,中間沒有縫隙的作品(圖一)。從心理學的觀點來看,這樣的構圖應該不會讓人喜愛。
有些視角比較有魅力?
英國出生的心理學家丹尼爾.貝林(Daniel Berlyne)指出,人類雖然不喜歡費盡千辛萬苦才能認知事物,但也不喜歡太容易就能認知事物。就這點來看,一眼就能辨識出個別事物的畫,理應無法獲得喜愛。但是這些沉穩、安定的作品,卻力道強勁、具有魅力。
也有一些畫家的作品與莫蘭迪的實驗相呼應。十七世紀西班牙畫家法蘭西斯科.德.蘇巴朗(Francisco de Zurbarán)描繪的靜物就是一例。靜物畫的西班牙文「bodegón」原意是酒窖。蘇巴朗用比第6章上方扉圖的莫蘭迪畫作更清晰的角度,描繪排成一橫列的水壺與金屬杯,但彼此之間留了半吊子的間隔,而且這幅畫講求質感,相當寫實(圖二)。現代藝術家福田美蘭,採用把物件排成一直排的角度,重新詮釋這幅畫(圖三)。視覺上完全重疊的四個容器,除了最前方的陶器之外,較高的陶器看得見上方,最尾端的金屬器皿則完全看不見。至於最前方有左右兩個把手的陶器,從這個角度也只能看見右側的把手,至於左側的把手根本看不出存在與否。這是一幅極端缺乏資訊的靜物畫。福田注意到蘇巴朗構圖的水平性,反過來將事物以垂直方向排列。他想必是刻意轉換視角,將這幅畫以「#不良視角」描繪。
大腦偏愛「資訊量」愈大的畫面
美國心理學家羅伯特.梭索,請大學生描繪紅茶杯盤。學生雖然畫出了各式各樣的杯子,但全部都驚人地相似。所有杯子的把手都在右側,並採取稍微能夠看見上方杯口的角度,從側面描繪。換句話說,沒有人採取從正上方往下看的構圖,也沒有人將把手畫在正面。不只美國的大學生,我們也是如此吧。因為這是 #資訊量最多 的「良好視角」。大人終究和四~六歲的幼兒沒什麼兩樣。
美國認知心理學家史蒂芬.巴爾梅(Stephen E. Palme),將各個角度拍攝的馬與電話的照片,出示給大學生看,請他們回答這是什麼。照片的視角愈「典型」,回答所花的時間愈短。此外這樣的視角,也與聽到物體的名稱時,所想像的畫面一致。接著他也請大學生判斷照片的「好壞」,結果拍攝的角度愈典型的照片,愈容易被判斷為「好照片」。換句話說,比起從正上方或是從正面拍攝的馬,從稍微斜側面的角度拍攝的照片讓人反應最快,也最受喜愛。因為這既是典型、習慣的角度,也是資訊量最多的角度。人類似乎對於一眼可以看見最多資訊的角度有所偏愛。
文字節錄自一起來出版《用視覺心理學看懂名畫的祕密:誰操控了你的感官?從光源、輪廓、意圖到構造,22堂透視「視覺魅力」的鑑賞認知課》一書
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【光源、輪廓到構造,是什麼影響了我們所見?】
超越「知覺恆常性」的印象派
由莫內開創了先例,印象派畫家在自己敏銳的觀察中,繪製超越「色彩恆常性」與「亮度恆常性」的作品。
雷諾瓦畫出在戶外愉快交談的人,以及玩著鞦韆的人(圖一)。在他的畫中,日光透過枝葉灑落樹下,在男人的藍色西裝外套上形成白色斑點,而女子的白色洋裝上則形成斑駁的藍色影子。
可是就人類的視覺來看,藍色西裝應該到處都是藍色,白色洋裝應該整件都是白色。我們可以從中發現,雷諾瓦也和莫內一樣,抵銷了色彩與明度的恆常性,在衣服上大膽地描繪了光影交織的模樣。
一般認為,印象派畫家因為照片技術發展,而開發出不同於寫實的表現手法。但狀況或許相反。
天氣晴朗時的照片,能夠拍出人的視覺不會留意的強烈光影,就像雷諾瓦的畫一樣,視覺不容易發現西裝外套反射出白光,而斑駁樹蔭下的臉有不均勻的色彩。就這一層意義而言,雷諾瓦畫筆下的光景,其實重現了相機拍到的影像。
印象派畫家透過照片學會了自然的呈現方式,而我們則透過印象派的畫,學會了如何無視色彩與亮度的恆常性。英國小說家王爾德曾說:「泰納畫了霧,所以倫敦才起霧。」這句話的意思為「不是藝術模仿自然,而是自然模仿藝術」,藝術讓我們發現外界的呈現方式,就這點來看,印象派畫家也是一樣的。
「你看圖二的洋裝,是
藍黑相間?還是,金白相間呢?」
人腦在無意識下的「知覺判斷」
二〇一五年,網路上出現了一張名為「洋裝」的照片。這張照片的特別之處在於,洋裝的顏色會因為看的人而變得完全不同。
我看到的是白底夾著金色蕾絲的洋裝。但半數以上的人看到的都是藍底夾著黑色蕾絲的洋裝。看見藍底的人,不知道為什麼這件洋裝看起來會是白底,而看見白底的人,也不知道為什麼別人說這件洋裝是藍底。
色彩認知如此因人而異是個少見的現象,所以這張照片一下子就在網路上流傳開來。為什麼會發生這樣的狀況呢?
前面提到,人的知覺會根據色彩與亮度的恆常性,去除當下環境光的影響,並對顏色進行修正。而〈洋裝〉顯示了這種去除方式可能因人而異。
換句話說,看見白金相間洋裝的人,把這張照片解釋成在後方強光照射下,逆光陰影裡的洋裝。至於看見藍黑洋裝的人,看到的則可能是在前方強光照射下,曝光過度的洋裝。這兩種不同的認知,由光源的位置與亮度的判斷造成,但這種判斷會在無意識中進行,就連當事人也不清楚依據。
這張照片的資訊不足以解釋照射狀況,但我們的視覺系統會採用最有可能的條件,而對於這張照片的不同解讀,顯示出條件的設定會因人而異。
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【透過暗盒(箱)作畫的他們】
所謂專業,或許就是最大限度運用當代的技術、技法與材料,繪製高完成度的作品。運用所有可用的材料這一點,對於研究者來說也是一樣的。
#維梅爾畫出失焦
暗盒曾是名符其實的「房間」,在十七世紀後縮小,並使用凸透鏡成像清楚,畫家們於是開始利用這個裝置來畫草圖。約翰尼斯.維梅爾就是其中一人。他是否實際描過暗盒的成像,終究還未定論,但我們至少能確定他絕對看過暗盒投影出的世界。這不是因為畫的透視法精準。畢竟他的畫反而經常偏離透視法,像是消失點有好幾個、近處的人物(彷彿透鏡成像一般)大得很極端,而這些有時並不符合透視法。不過,以上並非我們推測他用暗盒畫草圖的原因。我們會如此判斷,是因為他在作品中畫出了失焦的部分。這實在令人驚訝。
此外,〈拿酒杯的女孩〉也是一幅視覺上相當奇妙的作品。畫面中央彎腰站立的男性,與後面坐著的男性明明坐在同一張桌子,但視覺上中央的男性太大,後面的男性太遠。
研究維梅爾的生物學家福岡伸一認為,#坐著與站著的男性是同一人,他被女孩拒絕之後,就在後方的椅子上生悶氣。換句話說,這幅畫採用了包含時間進行的「異時同圖法」(《維梅爾 光之王國》木樂舍)。在繪畫中看見時間,這種觀點非常有魅力。
但即使真是如此,前方女性的臉還是太小了。因為前方的物體看起來應該要比後方的物體大。就算男性的臉較大,女性的臉較小,她的膝蓋以下也太長了吧。如果說,維梅爾是先利用照相暗盒描出有限範圍的成像,再將這些草稿組合成一個畫面,這時卻發現中央的男性畫得遠比其他張圖大,最後只好把女性的腳畫得更長,這就說得通了。話說回來,畫面後方的男性看似與前方的景象無關,彷彿置身於不同次元。我們也可以解讀成這一切都是坐著的男性所做的夢,或是他的回憶。
#卡拉瓦喬的畫支所以沒深度
英國出生的現代藝術家大衛.霍克尼(David Hockney),舉出幾幅擁有多個消失點、尺寸不符合透視法預期、重疊方式不自然的作品,並提出一個假說,認為這些作品或許都是運用照相暗箱打稿,再拼接繪製而成(霍克尼《祕密的知識》青幻社)。
霍克尼也指出,十六世紀中旬到十七世紀初的義大利畫家卡拉瓦喬(Caravaggio)的作品之所以缺乏深度感,也正是因為他筆下的人物實際上都位在相同距離。確實,我們可以看見卡拉瓦喬雖然將每一個人都畫得寫實,但整幅作品卻給觀者類似「#布景板」的感覺。
霍克尼進一步指出,我們可以從很多卡拉瓦喬的細節推測他在創作時始使用了輔助工具,例如他極快的工作速度、極少的草稿素描,以及他習慣在黑暗的畫室中作畫、在天花板上打洞而遭房東抱怨,他的作品中帶有強烈的光影(使用光學設備成像需要強光),他的所有物清單中有「玻璃製品」、草稿有切割的痕跡等等。這麼一說,卡拉瓦喬常常沒有將前景人或物的影子畫在背景上,或許是因為用暗箱描出來的人物,不會有前景的影子。
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